Ради Босха

Выставки выходных За последнее время открылось довольно много интересного! Делюсь  #РадиБосха_выставки Москва 1. «Небывалое»  Masters:Dom • 24.06-16.08 Недавно открывшееся пространство в Москве сменило свою экспозицию. На этот раз – мультимедийный проект, объединяющий новое произведение композитора Настасьи Хрущёвой и работы художницы Саши Кокачевой.  Идти, чтобы увидеть, как разные медиумы могут развивать одну тему. И тема то! Про это тонкое, неопределенное состояние между задуманным и несостоявшимся.  2. «Под присмотром» Галерея Shift Что значит «наблюдать»? Раньше было принято считать, что взгляд исходил исключительно от соседа и Всевышнего. Сегодня же он растворён в сетях, интерфейсах и алгоритмах. Мы – наблюдаем, за нами – наблюдают, всегда. Выставка очень полезна, чтобы проанализировать, какими средствами и смыслами художники обращаются к одной и той же теме. Кто-то берёт более считываемые, но вместе с тем провокативные образы, а другие работают с абстракцией или словом. 3. «Искусство на частоте 1980-х»  Открытое хранение в музее «Гараж» Гараж снова показывает свои сокровища, на этот раз с ярким и дерзким искусством позднесоветского периода. Если вам наскучили белые стены, то вам точно сюда. Смелые перформансы, видео, архивные фотографии, ставшие легендарными инсталляциями – всё передает смелые и живой дух 80-х. Санкт-Петербург 1. «Свинцовое время»  Галерея Jessica • 11.06-11.07 Яркая выставка-инсталляция молодого куратора Ильи Крончева-Иванова и художника Владимира Копейкина, которые уже успели войти в ряд актуальных арт-деятелей. Центральный мотив – процесс удара по груше, который ассоциируется с тренировкой и внутренней разрядкой. Я вам, кстати, уже говорила о том, что процесс в современном искусстве так же важен, как и результат. Так вот, художник буквально выбивал эти груши своими руками (в боксерских бинтах). Предмет, связанный со здоровьем и спортом, превращается в неподатливое, почти абсурдное тело. 2. «Пик неопределенности»  Анна Нова • 19.06-9.08  Наверное, самая медитативная выставка из подборки, которая требует вчитывания и абсолютного погружения в пространство галереи: человеческие следы и технологии смешиваются с природой. Если есть желание осмыслить внешний хаос и суету бытовой жизни, очень советую эту выставку.  А ещё активно призываю прочитать не только кураторский текст, но и кураторские заметки! Куда пойдёте на выходных?⬇️

🤩Чего мы боимся?  Хоррор как зеркало социальных страхов Хоррор – он как увеличительное стекло: берёт существующую тревогу и делает её видимой. Если раньше нас пугало что-то «извне» – призраки, проклятия, монстры и тд, то хорроры последних лет работают иначе. Форма «страха» хорошо отражает то, что происходит сейчас в мире🤩 В сегодняшней анти-скроллинг подборке – изучаем фильмы ужасов! #РадиБосха_подборка «Обсессия» (2026) – страх «хорошего парня» и токсичных отношений Сначала фильм притворяется инди-мелодрамой о симпатии и неуверенности в себе, а потом становится психологическим триллером. По-настоящему пугает образ «хорошего парня» главного героя. Сегодня это обсуждаемый феномен – когда человек искренне считает себя хорошим, и поэтому не замечает, что нарушает чужие границы. «Все страхи Бо» (2023) – ужасы собственной психики Иногда монстром становится не общество, а собственное восприятие мира. У Ари Астера хоррор стал сюрреалистичным отражением тревожности. Главный герой параноидально боится вообще всего, а сам фильм – отражение его внутренних страхов. Зритель лавирует на грани реальности и воображения, всё больше погружаясь в хаос и абсурд сознания Бо. Это очень актуальный сегодня тейк: главный враг – не какой-то внешний объект, а собственная голова. «Паразиты» (2019) и «Платформа» (2019) – давящая социальная система Фильмы были выпущены в один год и отражают одну и ту же проблему – социальное неравенство. В «Платформе» проблема классового расслоения доводится до абсолюта: еда спускается сверху вниз через уровни тюрьмы. Люди наверху могли бы оставить достаточно ресурсов для остальных, но система каждый раз ломается из-за человеческого поведения. «Ужас» прячется где-то внутри системы. Фильмы ужасов начала XX века строились на понятном конфликте: добро против зла, человек против монстра. Сегодня этот монстр всё чаще становится менее очевидным – им может быть система, психика или человек рядом.  Делитесь своими любимыми хоррорами в комментариях! ⬇️

Недавно мы с ArtClub ходили на экскурсию в Большой театр. Я редко про тут рассказываю про клуб, потому что туда могут попасть только выпускники Hack!Art – для меня важно, чтобы сообщество формировалось с +- одним культурным бекграундом. Это люди, которым можно написать: «А пойдёмте гулять по закулисью Большого театра?» – и они пойдут. Просто потому что им тоже интересно смотреть, докапываться до сути, обсуждать, восторгаться и критиковать. Выбираться куда-то вместе и превращать обычный понедельник в культурный опыт. И самое прекрасное, что в какой-то момент уже не я и не моя команда становимся драйвером этого «а давайте?». Участница поделилась, что ей очень хочется пойти на постановку, но не с кем, – и тут же нашлись люди, которым тоже хотелось и тоже было не с кем. И это то, ради чего я клуб и делала – собрать вместе людей, которые поддержат самую сумасшедшую затею💔

Код анонимности  Что сегодня значит «лицо»? #РадиБосха_исследование Ещё в середине XX века Ролан Барт в книге «Мифологии» предлагает идею «Лица Гарбо». Он разобрал лицо актрисы Греты Гарбо с точки зрения семиотики и пришёл к выводу: Голливуд создал не просто звезду, он создал символ.  В семиотике знак состоит из двух частей: означающее – то, что мы видим (внешняя форма), и означаемое – скрытый смысл, который считывает наш мозг. У Гарбо означающим был толстый слой белого грима, идеальные брови и полное отсутствие мимики. А означаемым – концепт абсолютной, божественной красоты. Живой человек стёрт, остался чистый концепт. Барт назвал это «Лицом-Маской». Сегодня некоторые знаменитости сознательно превращают себя в такие же знаки, уходя от «бытовой» человечности. Тильда Суинтон: прозрачная кожа, андрогинность, отсутствие бровей – концепт инопланетного бессмертия. Или Ким Кардашьян: плотный контуринг и филлеры, её лицо стремится к нарочитой «идеальности».  Барт предвидел и тренд на новую искренность. В финале «Лица Гарбо» он пишет: лицо Гарбо – это эпоха Маски. Но её сменила другая эпоха – эпоха Живого Лица.  Символом «Живого лица» стала Одри Хепбёрн. Хепбёрн вернула на экраны индивидуальность, её лицо по Барту – «уже не сущность, а событие». Jacquemus и Miu Miu делают ставку на живые, «человеческие» лица, продавая сопричастность и лояльность. Клиент видит живое лицо и покупает продукт, потому что чувствует себя частью комьюнити. Это коммерция «на равных». Семиотический подход – это не душная теория из прошлого века, а готовая бренд-стратегия современного рынка. Лицо в 2026 году – это не просто часть тела, а самый дорогой рекламный щит. И то, какое лицо мы видим, зависит только от того, какой миф нам пытаются продать. Кстати, сейчас идёт новый поток на «Код визуала» – если вы пропустили прошлый, сейчас отличный момент, чтобы изучить, как работают знаки в визуале.

Вы уже слышали новость?  Loro Piana заключил трёхлетнее партнёрство с римской Галереей Боргезе и будет финансировать реставрацию одной картины в год. Первой в очереди станет «Весна» из знаменитого триптиха Якопо Бассано «Весна, осень и зима». Ну вы же понимаете, что это не просто жест доброй воли? Такие новости давно не редкость в fashion-мире. Fendi реставрировал фонтан Треви (€2,5 млн), Tod’s вложил €25 млн в Колизей, а Prada открыла фонд в Милане И Венеции и восстановила «Тайную вечерю» Вазари.  Вопрос… зачем?  Давайте разбираться 1. Стать частью истории Мода ситуативна и эфемерна, а искусство – вечно. Это создает главную проблему для люкса: как объяснить цену в тысячи евро за свитер, если через пару сезонов он потеряет актуальность? Инвестируя в реставрацию ренессансных шедевров в Галерее Боргезе, Loro Piana переносит «ауру» исторической ценности и ручного труда на свои кашемировые пальто. Это стратегия, которая в маркетинге называется термином «артификация» — превращение коммерческого продукта в объект искусства.  Согласно исследованию «The Stepwise Artification Process in Luxury Fashion», более 81% люксовых брендов Франции и Италии официально признают артификацию одной из ключевых долгосрочных маркетинговых стратегий. Исследователи делят этот процесс на три уровня: синергия (спонсорство и меценатство), контаминация (корпоративные музеи и фонды) и гибридизация (коллаборации с художниками, арт-дизайн бутиков). Loro Piana не ограничивается классическим меценатством. Недавно фотограф Charles Nègre встроил их культовые сумки в кадры со скульптурами Александра Нолля – гибридизация в чистом виде. А партнёрство с Галереей Боргезе на этом фоне становится фундаментом, который окончательно вписывает имя бренда в историю. 2. Найти новую ценность Инвестиции в сохранение искусства — это способ поймать молодую, осознанную аудиторию, к которой переходит мировой капитал. Если старшее поколение ценило в благотворительности статус и демонстрацию возможностей, то миллениалы и зумеры ищут purpose — целеполагание и социальный импакт. Им важно, чтобы бренд не просто зарабатывал деньги, а реально сохранял мир, историю или экологию. Согласно отчету TEFAF Art Market Report, для 94% современных арт-патронов ключевая мотивация — реальное влияние на сохранение культуры, а 72% молодых меценатов отмечают, что поддержка искусства дает им чувство социальной вовлеченности. Когда бренд ведет себя так же, как его молодые и состоятельные клиенты, он в их глазах становится становится для них единомышленником.  3. Last but not the least  И самое простое объяснение — налоговые льготы. В Италии действует программа Art Bonus: бренды возвращают до 65% от суммы пожертвования в виде налогового кредита. В итоге получается перераспределение бюджета с мощным PR-эффектом. Теперь ваша очередь: какой бренд, по-вашему, лучше всех научился выглядеть не просто модным домом, а культурной институцией? Пишите в комментариях. Надеюсь, там будет отдельный список для разбора⬇️